Visages de l’effroi, violence et fantastique de David à Delacroix – Perrine Prunet Duval

Visages de l’effroi, violence et fantastique de David à Delacroix

Musée de la vie romantique (3 novembre 2015 et jusqu’au 28 février 2016)

L’exposition Visages de l’effroi, violence et fantastique de David à Delacroix est présentée depuis le 3 novembre 2015 et jusqu’au 28 février 2016 au Musée de la vie romantique de Paris, organisée en collaboration avec le Musée de la Roche-sur-Yon. La scénographie de l’exposition est pensée et réalisée par Jérôme Farigoule (directeur du Musée de la vie romantique), Sophie Eloy (directrice adjointe) et Hélène Jagot (conservateur en chef et directrice du Musée de la Roche-sur-Yon).

L’évènement rassemble une sélection inédite de plus de cent tableaux, dessins et sculptures issus du romantisme fantastique. L’ensemble concourt à dévoiler une part obscure de l’histoire de l’art du XIXe siècle. L’exposition s’organise autour de trois thèmes principaux : la vertu et la mort, les petits théâtres du crime et les affres de l’au-delà. Une partie des œuvres présentées est méconnue et surprenante comme l’huile sur toile, Tête de femme et d’enfant réalisée vers 1824 par Léon Cogniet où les regards effrayés des personnages semblent se poser sur le spectateur tandis que certains tableaux incontournables sont attendus comme La mort de Marat, 1815 de Jacques Louis David, ou encore Folie de la fiancée de Lammermor d’Emil Signol, 1850.

A travers le thème de la vertu et de la mort, l’exposition se fait témoin du passage de l’héroïsme patriotique et des valeurs néoclassiques de la fin du XVIIIe siècle vers un romantisme fantastique français. Le Néoclassicisme est une des expressions visuelles du mouvement des Lumières, engagé contre les oppressions politiques et religieuses dans un combat contre l’arbitraire et la superstition des siècles passés. La période Néoclassique connait son apogée sous Napoléon Ier, marquée par des idéaux de grandeur. En marge de cet art idéaliste, influencé par des redécouvertes antiques, surgit le Romantisme porté sur l’expression individuelle, personnelle et originale des êtres.

Le contexte historique imprégné par la Révolution et la Terreur mais aussi les guerres napoléoniennes et la Restauration offre aux artistes de nouvelles inspirations basées sur la violence de la réalité et les problématiques de la guerre. Les artistes s’attachent à représenter ou évoquer des faits réels qui s’ancrent dans l’horreur en s’éloignant de l’allégorie, aussi bien en littérature et poésie que dans le dessin, la sculpture et la peinture. Les dessins de Charles Brun à l’encre et pierre noire sur papier comme La Rage, 1668-1690, ou encore L’Horreur, 1668-1690, codifient plastiquement les expressions humaines et frappent le spectateur par leur réalisme. Il en est de même avec les visages de plâtre stupéfaits et horrifiés de Scène du massacre des innocents, 1838 de Victor Huguenin. De nombreux peintres s’attachent aussi à représenter une réalité sombre en peignant la guerre comme c’est le cas avec François Gérard qui propose une vision de La Bataille d’Austerlitz au Salon de 1808.

Ensuite, la visite se poursuit sur le thème des petits théâtres du crime. Il s’agit d’un dialogue entre des visions fantomatiques et violentes inspirées par les productions littéraires mais aussi  par le développement de la presse relatant de grandes affaires et des faits divers sanglants. Le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault en 1819 marque la naissance du Romantisme, grâce à lui la représentation du réel accède au format de la peinture d’histoire. En s’inspirant d’un fait divers à connotations politiques de 1816, il met en scène le naufrage de la frégate Méduse de la marine royale qui devait coloniser le Sénégal. Géricault va jusqu’à enquêter en profondeur sur l’affaire, réaliser des études anatomiques de cadavres afin de mettre en avant le pouvoir des plus bas instincts de l’Homme comme c’est le cas avec Etude d’après la nature morte pour la Méduse, dit aussi Fragments anatomiques, 1818-1819. Les artistes de la génération de Géricault sont fascinés par l’exacerbation des passions humaines et de la violence théâtrale. Les artistes puisent de nombreux sujets dans la littérature britannique et se plaisent à traiter les plus dramatiques. Ils ont un intérêt particulier pour la représentation de moments de tensions et d’instants décisifs où le destin d’un individu bascule comme dans la toile de Charles Desains, Femme asphyxiée, 1822, où l’on voit une femme désespérée, au corps vacillant qui tente d’ouvrir une fenêtre pour respirer mais qui n’y parvient pas.

Dans une atmosphère résolument noire, le dernier thème évoqué traite des affres de l’au-delà, qui se rapporte à un goût prononcé pour l’imaginaire, le morbide et le surnaturel. Les artistes s’intéressent au dialogue entre le monde des morts et le monde des vivants en se focalisant par exemple sur la figure de Satan comme le fait Jean-Jacques Feuchère avec sa sculpture en bronze : Satan, 1833, qui est l’une des icônes de la statuaire romantique, émancipée des dictats de la tradition chrétienne. De plus, beaucoup d’œuvres se réfèrent aux Poèmes d’Ossian basés sur d’anciens textes mystiques que l’écrivain écossais James Macpherson a traduit en 1762-1763. Ces poèmes populaires circulent partout en Europe et offrent un prétexte à représenter l’expression des passions et des visions fantomatiques comme le fait Anne-Louis Girodet-Trioson avec La mort d’Ossian, 1791-1819, réalisée au crayon, lavis d’encre noire, pierre noire et rehauts de blanc sur papier. La présence de l’influence nordique vient donc contrebalancer celle de l’Antiquité gréco-romaine. D’autre part, l’univers de Dante semble aussi être une source inépuisable d’inspiration comme le montre Paul-Marc-Joseph Chenavard qui a peint l’Enfer de Dante, 1846.

La scénographie de l’exposition nous incite à plonger dans une atmosphère sombre où certaines œuvres nous interpellent par leur étrangeté au cours de la déambulation. Visages désespérés ou monstres nous renvoient à notre propre détresse, nous amènent à nous questionner sur nos instincts primaires. L’intensité et l’ambiguïté des émotions qui se lisent sur les visages à travers des scènes souvent dramatiques interpellent le spectateur et suscitent le frisson. La violence prend place comme véritable leitmotive qui rythme et lie les œuvres dans des univers grotesques et tragiques marqués par le difforme. La génération d’artistes du Romantisme fantastique français est désillusionnée par la réalité du monde et affirme une esthétique nouvelle, à l’image de l’expression des passions de l’âme en voulant s’éloigner de la norme académique. L’accent est mis sur le beau en particulier plutôt que sur le « Beau idéal » ;  le laid, le monstrueux ou encore la maladie ne sont plus exclus de la sphère artistique et sont au cœur des représentations.

L’exposition n’est pas sans rappeler d’autres évènements : William Blake au Petit Palais (2009), Crime et châtiment au Musée d’Orsay (2010), L’Europe des esprits au musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg (2011-2012),  La dernière nuit de Troie au musée des Beaux-Arts d’Angers (2012), L’ange du bizarre au Musée d’Orsay (2013) et enfin De l’Allemagne au Louvre (2013). Cependant, Visages de l’effroi, violence et fantastique de David à Delacroix retrace l’aspect conventionnel du Néoclassicisme et insiste sur la noirceur du Romantisme, en se concentrant sur la présentation des formes françaises que prend le Romantisme fantastique. L’aspect inédit de l’exposition repose donc sur la mise en valeur d’œuvres françaises souvent dépréciées face aux chefs d’œuvres de l’art romantique anglais et allemand.

Perrine PRUNET DUVAL

M1 – Histoire de l’art


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