“Georgia O’Keeffe (1887 – 1986), Rétrospective. Centre Pompidou, Paris” – Justine Leroy
Enfin une rétrospective consacrée à Georgia O’Keeffe à Paris ! Du 8 septembre au 6 décembre 2021, le Centre Pompidou réunit pour la première fois une centaine de ses œuvres. L’artiste est une des femmes ayant le plus marqué la peinture moderne. Comment se fait-il que cette rétrospective ne soit pas arrivée plus tôt ?
Selon Didier Ottinger[1], conservateur du patrimoine et commissaire de l’exposition, c’est parce que l’histoire de l’art a longtemps été basée sur les diagrammes d’Alfred Barr, premier directeur du Museum of Modern Art de New York. En 1936, il constitue un système de classification de l’art moderne, prenant pour point de départ les avant-gardes artistiques européennes. Comme un arbre généalogique, il met en lien les artistes en fonctions de leurs affiliations et influences.
Le style graphique de Georgia O’Keeffe ne doit en apparence rien à l’Europe. Elle se retrouve exclue des diagrammes de Barr (Figure 1). Par extension, elle est invisibilisée dans les expositions, car cette artiste foncièrement américaine est présentée comme étrangère à une certaine histoire de l’art. En 2021, soit 35 ans après son décès, cette rétrospective est plus que bienvenue pour revenir sur l’ensemble de la carrière de la peintre.
L’exposition se présente sous forme d’un parcours chronologique, abordant les grands axes de travail de l’artiste. Ceux-ci sont étroitement liés aux lieux qu’elle côtoie. La scénographie ne cloisonne pas nos déplacements, mais nous invite au contraire à circuler d’une période à l’autre. Elle nous donne la possibilité de revenir sur nos pas, et semble nous suggérer que les différentes phases créatives de l’artiste sont intrinsèquement liées. Les seuls espaces plus isolés du reste de l’exposition sont une pièce à l’entrée et une salle de projection à la fin.
La première salle nous emmène aux prémices de la création de Georgia O’Keeffe. Y sont présentées des œuvres d’autres artistes, exposées à la Galerie 291 en même temps que la peintre. Certains de ces travaux l’inspirèrent certainement. On note par exemple la présence d’une esquisse de Rodin, un nu mêlant sensualité et modernité. L’histoire d’O’Keeffe avec la galerie 291 débute en 1916. Stieglitz, alors représentant de la nouvelle vision photographique et galeriste, reçoit par courrier un rouleau de dessin. Il est impressionné par ce qu’il voit, si différent de tout ce qui se fait à l’époque. Il veut absolument l’exposer dans la galerie 291. Il invite la toute jeune peintre à venir s’installer à New-York. Il lui loue un studio, lui permettant d’avoir un espace de création et un lieu de vie. Les deux artistes tombent rapidement sous le charme l’un de l’autre. Elle pose à plusieurs reprises pour lui, notamment nue. Ces photographies choquent la presse, qui attache à O’Keeffe une image sexuelle qui impacte par la suite la réception de sa production plastique. Symptôme d’une artiste femme dans un monde patriarcal ? En avançant dans l’exposition, nous nous trouvons dans le vaste espace recensant les différentes thématiques artistiques de sa peinture. Les toiles sont disposées sur de simples cimaises blanches, mettant en valeur le travail de la lumière et de la couleur.
En 1923, Georgia O’Keeffe présente ses premiers tableaux d’inspiration botanique. Ses toiles sont loin de faire l’unanimité auprès des critiques. Ses travaux surgissent au beau milieu de la révolution freudienne. Son exposition affole le monde de l’art qui y voit l’expression provocante du désir féminin, comme autant d’images érotiques et de symboles sexuels à peine dissimulés… Cette hypothèse est radicalement réfutée par l’artiste qui accuse ses détracteurs de projeter sur ses toiles leurs propres obsessions. Ces gros plans, à mi-chemin entre figuration et abstraction, rappellent les recherches photographiques du groupe F64.
Quand elle veut s’essayer à un sujet moins organique, elle peint la ville. New-York et ses gratte-ciels l’inspirent. La perspective est accentuée, les compositions anguleuses et les contrastes puissants. Cet axe de son travail ne dure pas longtemps. Stieglitz lui dit que ce n’est pas un sujet approprié pour une femme. Le photographe aurait-il pris peur de voir la peintre s’épanouir dans un sujet qu’il considérait comme sien ?
On découvre en circulant dans l’exposition que les paysages occupent une majeure partie de sa production artistique. Elle réalise une série sur Lake George, dont la géographie lui rappelle son enfance dans le Midwest. Lorsqu’elle est invitée à séjourner au Nouveau-Mexique en 1929, ses représentations vont progressivement prendre une dimension nouvelle.
Au début, O’Keeffe va y vivre plus de 6 mois par an. Elle glane des ossements, qu’elle ramène à New-York. Elle les voit comme des objets pleins de vie, comme les plus belles choses que contient le désert. L’année suivante, l’artiste se décide à s’installer définitivement dans ces terres isolées. Elle achète un ranch, pourtant réputé pour être hanté, fascinée par la porte de son patio qu’elle représente plusieurs fois dans ses peintures. C’est à cette période qu’elle découvre la culture des Indiens Pueblos. Elle assistera à des cérémonies secrètes, notamment des danses rituelles. Ses toiles hypnotiques sont empreintes des sons, mouvements et couleurs de ces coutumes.
Cette rétrospective nous permet de découvrir une artiste dont le talent s’exerça bien au-delà des fleurs et de sujets dits « féminins ». Georgia O’Keeffe est une véritable icône américaine. Elle représente les États-Unis, des plaines de l’Ouest aux immeubles New-Yorkais, avec une touche singulière et identifiable. Elle participe en cela à définir l’identité du pays, encore culturellement rattaché à l’Europe. Dans « Cow’s Skull: Red, White, and Blue », elle va notamment se réapproprier les couleurs du drapeau américain pour sa composition, proposant une vision caractéristique de l’Amérique. A l’image du pays qu’elle habite, Georgia O’Keeffe bouleverse les codes européens et trace une nouvelle voie à la peinture moderne.
Un sujet manque à l’appel : l’Homme. Jamais aucun personnage ne fut inclus dans ses paysages, toujours désertiques et mystérieux. Dans la dernière salle de l’exposition, Georgia O’Keeffe répond à cela avec ironie lors d’une interview. Selon ses propres mots : « Si les Hommes étaient des arbres, je les aimerais beaucoup mieux ». Des Kachina, poupées rituelles indiennes, sont présentées à côté de l’interview. Elles nous rappellent que bien que sans présence figurée, les toiles de l’artiste sont empreintes des coutumes humaines.
La rétrospective Georgia O’Keeffe proposée par le Centre Pompidou est incontournable. La scénographie permettant une libre circulation des visiteurs est particulièrement appréciable. Chacun découvre les différentes thématiques explorées par l’artiste à son rythme, sans circuit imposé. Un avantage, concernant une artiste dont nous avons tant à apprendre. [2]
Justine Leroy, Master 2 Histoire de l’Art
[1] La visite a été réalisé en compagnie du commissaire.
[2] Catalogue d’exposition : Georgia O’Keeffe, dir. par Didier Ottinger, Édition du Centre Pompidou, Paris, 2021, 272 p.
Texte édité par Mélissa Moine (M2 Histoire de l’Art), membre du comité de lecture Investigatio
OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
mastersfdl (11 juin 2022). “Georgia O’Keeffe (1887 – 1986), Rétrospective. Centre Pompidou, Paris” – Justine Leroy. Investigatio. Consulté le 19 avril 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/ra7q






