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« Over the Rainbow » au Centre Pompidou, une constellation du genre : de l’oppression à la célébration – Clara Gentilini

Fig. 2 : Jean-Baptiste Carhaix, Sister The Rabbi Lady, Octobre 1983, épreuve Cibachrome (Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Bibliothèque Kandinsky, Paris)

Le courant de pensée « Queer Theory », issu d’Act Up New York émerge dans les années 1990 et cherche à « défaire les conceptions normatives restrictives de la vie sexuelle et genrée[1] ».

Par la performativité de la parole, le queer fait advenir de nouveaux genres « bizarres » et transforme les insultes qui lui sont jetées à la figure en manifestes de gloire et de noblesse. Comment le XXe siècle a-t-il bouleversé la théorie des genres et a fait émerger l’acronyme LGBTQI+ ? C’est la question à laquelle l’exposition Over the Rainbow nous amène à réfléchir autour d’un parcours chrono thématique. Celle-ci s’est tenue du 28 juin au 13 novembre 2023, au Centre Pompidou. Alors que la majorité des œuvres présentées appartiennent au Centre Pompidou et à la Bibliothèque Kandinsky (fig. 1), l’exposition est relativement courte même si plus de cinq cents œuvres et documents sont exposés. Il semblerait que la thématique queer ait le vent en poupe et se diffuse largement au sein de cette communauté toujours grandissante. Les musées se font l’écho de cette évolution : en 2017, à Londres, le Tate Britain présentait l’exposition « Queer British Art 1861–1967 » tandis que plus récemment, la galerie parisienne EDJI Gallery organisait une autre exposition queer : « Hometown Session ».

Dérouler un scénario Queer

Fig. 2 : Samuel-Sigismond Schwarz, L’Assiette au beurre, n°108, 25 avril 1903 (Bibliothèque Kandinsky, Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris).

La fourchette chronologique part du début du XXe siècle, introduit par une illustration homophobe (fig. 2) du périodique de l’Assiette au beurre (magazine satirique publié de 1901 à 1936), et s’achève par des images saisissantes de couples homosexuels datant des années 2000. L’issue de ce dispositif narratif symbolise le triomphe de l’amour homosexuel et saphique. Ainsi, l’exposition, qui s’ouvre par la thématique de l’homosexualité – appartenant elle-même au mouvement queer, traverse le XXe siècle, et propose dans son parcours un scénario axé autour du thème « queer » par l’emboitement d’œuvres hétérogènes et polymorphes.

On pourrait penser que l’exposition attire essentiellement des personnes directement concernées par le sujet mais, en réalité, celle-ci est construite de manière à ce que les « moins connaisseurs » puissent avoir une meilleure approche des thèmes abordés : une frise chronologique à l’entrée relate les grandes étapes historiques de l’embodied life[2] (la vie incarnée), du premier emploi du terme « homosexuel » et « hétérosexuel » en 1868 à la fondation du collectif d’archive LGBTQI+ en 2017. De plus, le dépliant de l’exposition propose un glossaire qui définit quelques termes, régulièrement employés dans les cartels et textes introductifs et qui ont trait au vocabulaire queer. Ceux-ci emploient le langage inclusif afin de rendre hommage à celles et ceux qui ont pris part au mouvement queer, qui l’ont écrit et façonné. En outre, la question queer est aujourd’hui de plus en plus abordée, et il est important d’approcher ces thématiques avec circonspection en utilisant l’exactitude d’un langage plus égalitaire, qui conviendrait à toutes et à tous. Néanmoins, l’accès de l’exposition est déconseillé aux mineurs en raison de son caractère sexuellement explicite.

Concernant la scénographie, celle-ci est relativement neutre, permettant de centrer le regard sur l’œuvre et éviter les heurts de couleurs, lesquelles, se révèlent de plus en plus à mesure que l’on avance dans le parcours. En effet, si le gris des dessins et des murs sur lesquels ils sont disposés parait attrister la scénographie, les couleurs de « l’arc-en-ciel », allégorie des valeurs queer, se révèlent progressivement par le biais d’affiches et peintures polychromes. Par les couleurs et la musique gradatives émanant des films, l’exposition semble s’animer, comme pour faire éclore l’avènement du mouvement LGBTQI+.

Masculin – Féminin

On constate une certaine dichotomie entre les salles qui abordent les représentations du féminin et celles qui rendent compte du masculin. Ce parti pris peut paraitre surprenant car il tend à installer une forme de binarité qui n’entre pas tout à fait dans le champ de la théorie queer – celle-ci aspire au contraire à faire tomber les barrières et brouiller les frontières du genre qui ont été établies. Quelques salles évoquent exclusivement le travail d’artistes masculins sur les hommes : la mythologie du « blouson noir » ou la salle intitulée « cuir studies » met en évidence les fantasmes masculins de domination dont le cuir est l’emblème bestial. La première salle qui évoque exclusivement le travail féminin est consacrée aux « portraits du Paris-Lesbos » et donc à toutes les « Sapho » artistes parisiennes et expatriées, dont la plupart se sont réunies autour de l’écrivaine américaine Nathalie Clifford Barney qui avait alors créé un salon, « le temple à l’amitié[3] ». Ce microcosme saphique « propose une alternative littéraire, spirituelle et sexuelle aux normes patriarcales[4] ».

On constate par ailleurs dans cette exposition une prédominance de la représentation de corps masculins, ce qui est assez frappant quand nous avons l’habitude de voir essentiellement représentés des corps nus féminins. Il s’agit peut-être de redonner de la place au corps masculin, qui s’est effacé avec les siècles alors qu’il occupait une place majeure dans l’iconographie antique notamment par le biais de la représentation de la nudité héroïque et divine. De la même manière, la salle « à la croisée des genres » parle essentiellement de travestissement masculin et de drag queen. Si on trouve quelques photos de femmes en smoking, ce « travestissement » nous interpelle beaucoup moins qu’un homme affublé d’une crinoline sachant que le mythe de la garçonne a émergé dans les « Roaring Twenties ».

Queer avant l’heure

L’exposition Over the Rainbow semble avoir fait un choix : celui de se concentrer sur une ère qui nous est familière : le XXe et le début du XXIe siècle. Or, les représentations de l’homosexualité, du travestissement et le « trouble dans le genre »[5] remontent déjà à l’art antique : des œuvres représentent des ébats amoureux homosexuels comme Le baiser d’Éraste et Éromène peint sur une Coupe du peintre Briséis, datant de 480 av. J-C et conservée au musée du Louvre. Il est donc surprenant qu’il n’y ait pas de renvoi à l’art antique même si l’on comprend que compte tenu de la prégnance du thème aujourd’hui, une nouvelle modernité a émergé tout au long du XXe siècle, entrainant un changement radical de paradigme. En outre les prémices de la drag queen, Male To Female (MTF) étaient déjà bien connues à la cour du roi Louis XIV puisque son frère, Philippe d’Orléans avait pour habitude de se travestir en femme et ne s’en cachait pas. La virilisation des femmes – ou même le travestissement des femmes en hommes -, autrefois passible de sentence religieuse, défait également l’autonomie des genres et ne se cantonne pas au modèle du « tomboy » des années 1920. Néanmoins, il convient de rappeler que l’essentiel des œuvres de l’exposition provient des collections du Centre Pompidou, qui ne dispose pas ou peu d’œuvres antérieures au XXe siècle. Ce qui peut amener à conclure que l’institution muséale a été contrainte par la collection qu’elle avait à portée de main. Même si l’exposition aurait mérité un bref renvoi aux siècles passés, cela n’enlève en rien son charme et à sa portée didactique.

 

Clara Gentilini – Master 1 Histoire de l’art et archéologie


Bibliographie

  • BUTLER, J., Défaire le genre, 2004, traduit de l’anglais par Maxime Cervulle, édition Amsterdam, Paris, 2023.
  • BUTLER J., Trouble dans le genre, 1990, États-Unis, traduit de l’anglais par Cynthia Kraus, édition La Découverte, Paris, 2005.
  • PELLEGRIN, N., « Le genre et l’habit. Figures du transvestisme féminin sous l’Ancien Régime », Clio [En ligne], 10 | 1999, mis en ligne le 29 mai 2006, consulté le 3 novembre 2023, disponible : http://journals.openedition.org/clio/252.
  • Exp. Paris, Centre Pompidou, 28 juin 2023 – 13 novembre 2023, Over the Rainbow : Autres histoires de la sexualité dans les collections du Centre Pompidou, Édition du Centre Pompidou, Paris, 2023.

[1] BUTLER J., Défaire le genre, traduit de l’anglais par Maxime Cervulle, Éditions Amsterdam, Paris, 2023, p 13.

[2] Terme employé depuis les années 1990 aux États-Unis par Russell Delman.

[3] TRUE LATIMER T., « le Paris-Lesbos de Natalie Clifford Barney », in Exp. « Paris », Centre Pompidou, 28 juin 2023 – 13 novembre 2023, Over the Rainbow : Autres histoires de la sexualité dans les collections du Centre Pompidou, Paris, Édition du Centre Pompidou, 2023, p. 19.

[4] Dépliant de l’exposition.

[5]  BUTLER J., Trouble dans le genre, 1990, traduit de l’anglais par Éric Fassin, La Découverte, Paris, 2005.

 

 

 

 

 


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
membrelp (12 juillet 2024). « Over the Rainbow » au Centre Pompidou, une constellation du genre : de l’oppression à la célébration – Clara Gentilini. Investigatio. Consulté le 11 mai 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/120ay


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