Le violon à cinq cordes de Marc Chagall – Antonin Salameh
Chagall à l’oeuvre, dessins, céramiques et sculptures (1945-1970)
Du 4 octobre 2023 au 26 février 2024 s’est déroulée au centre Pompidou l’exposition : Chagall à l’oeuvre, dessins, céramiques et sculptures (1945 – 1970) réalisée sous la direction d’Anne Montfort-Tanguy et Valérie Loth. Ont été exposés : les dessins préparatoires des costumes et rideaux de scène du ballet L’Oiseau de feu d’Igor Stravinsky repris par le Ballet Theater de New York en 1945, les esquisses et maquettes pour la décoration du plafond de l’Opéra (palais Garnier) en 1962 et un ensemble de céramiques, collages et sculptures, réalisés des années 1950 aux années 1970.
Moïche Zakharovitch Chagalov – naturalisé Marc Chagall – nait le 7 juillet 1887 en Biélorussie à Vitebsk dans une famille modeste de culture juive hassidique. Comme nous l’apprend, Angela Lampe, dans son ouvrage : Marc Chagall, paru en 2018, Marc Chagall n’a pas encore dix ans qu’il veut devenir chanteur, danseur, musicien, poète et peintre. A Vitebsk, il reçoit une éducation fidèle aux ordonnances du piétisme hassidique et fait son éducation primaire à l’école juive d’Héder, où il apprend l’hébreu et l’histoire biblique. C’est dans cet environnement rude et froid que le petit Moïche grandit. Pourtant, pour Marc Chagall, Vitebsk restera l’image chérie de son enfance, une image qui ne le quittera jamais, peu importe où la vie le mènera de gré ou de force, mais surtout une image qu’il peindra inlassablement du bout de ses pinceaux sur sa toile. Pour Pierre Schneider[1] « Le travail de Marc Chagall accentue le paradoxe que l’on trouve chez nombre d’artistes qui ont connu l’exil, à savoir le besoin de trouver de nouveaux repères et parallèlement, de réaffirmer leur origine propre »[2].
Chagall à l’œuvre, dessins, céramiques et sculptures (1945 – 1970) a pris place à l’étage de la collection permanente d’art contemporain – au niveau 4 – dans une pièce rectangulaire avec une grande hauteur sous plafond – la galerie ouest – dans laquelle des modules blancs en demi-arc de cercle, d’une taille conséquente, scindaient l’espace en trois parties. Ce modèle scénographique qui permet d’adapter chaque galerie du Centre aux besoins de chaque exposition, est la marque de fabrique du centre Pompidou et son efficacité n’est plus à démontrer, néanmoins, dans ce cas, aux heures de forte affluence, un passage exigu nuisait à la déambulation des visiteurs, et aux heures de faible affluence l’agencement de l’entrée principale ne permettait pas de s’isoler complètement de l’agitation de l’exposition permanente.
Chagall à l’œuvre, dessins, céramiques et sculptures (1945 – 1970) a révélé différents supports d’expression explorés par Marc Chagall, parfois très éloignés les uns des autres – sculpture et collage – aucun d’entre eux n’échappe à sa touche naïve. La peinture, pour Marc Chagall, n’est plus une fenêtre qui s’ouvre sur l’histoire, comme le concevait Alberti mais, avec ses propres mots : « une fenêtre à travers laquelle je [Marc Chagall] m’envolais vers un autre monde »[3], un monde onirique que l’on retrouve dans ses dessins préparatoires pour L’Oiseau de feu, le plafond de l’Opéra Garnier, ses collages, et ses céramiques et sculptures.
Si ce n’est pas quelque chose d’inédit pour le centre Pompidou d’exposer Marc Chagall – l’artiste a eu droit à plusieurs rétrospectives[4] et quelques-uns de ses tableaux sont exposés au niveau 5 – il faut le reconnaitre, cette exposition a permis de découvrir plusieurs facettes de l’artiste que l’on connaissait moins, revenons en premier, si vous le voulez bien, sur L’Oiseau de feu.
Itzhak Goldberg[5] nous apprend dans son ouvrage : Chagall, paru en 2019, qu’en 1941 Marc Chagall fuit l’Europe pour New York en compagnie de son épouse Bella et de leur fille Ida. L’année suivante, Léonide Massine lui fait la proposition d’élaborer les décors et les costumes du ballet Aleko joué par le Ballet Theater à New York et dansé sur un trio avec piano de Tchaïkovski. Il accepte sans hésiter. Soulignons que Marc Chagall n’est pas à son premier coup d’essai dans le domaine des arts de la scène : en 1920 déjà, il avait réalisé un ensemble de décorations murales pour le théâtre d’art juif de Petrograd, où il avait imposé certaines de ses suggestions qui allaient au-delà des souhaits du commanditaire ; lesquelles n’avaient pas été bien reçues. Pour Aleko il réitère l’expérience et s’investit énormément dans le projet. Cependant, la collaboration est plus heureuse qu’à Petrograd et Aleko est un véritable succès. Trois années plus tard, quand le Ballet Theater lui propose de réaliser les décors et les costumes du ballet L’Oiseau de feu, Marc Chagall faisait toujours le deuil de sa femme, Bella, décédée un an auparavant. À cette époque, il déclare à son sujet : « Je ne sais pas pourquoi mais parfois je range mon chevalet et je me mets spontanément à dessiner des croquis pour des décors, des costumes de ballet… », encore une fois, il accepte.
Pour les costumes de L’Oiseau de feu, Itzhak Goldberg, nous fait remarquer que Marc Chagall puise dans l’imaginaire amérindien. Par exemple, le costume du Monstre vert à rayures noires s’inspire d’un modèle de katchinas : des statuettes en bois de peuplier, façonnées par les Amérindiens des déserts d’Arizona et du Nouveau-Mexique. Itzhak Goldberg cite Bruno Gaudichon[6] qui met en évidence, un lien entre les récipients zoomorphes préhispaniques et le goût pour l’hybridation de Marc Chagall, hybridation que l’on retrouve dans le personnage principal de L’Oiseau de feu un être mi-homme mi-oiseau. Pour les décors de L’Oiseau de feu, Marc Chagall ne cherche pas à représenter le ballet mais à faire parler la couleur seule, afin que ballet et décors soient deux éléments distincts qui se complètent ; la critique salue son approche.
Un lien fort uni le Yiddish – cette langue parlée par toute la population juive en Russie – et la musique. Le violoniste avec la tête dans les nuages – qui pour Itzhak Goldberg est le symbole du juif errant ayant troqué son baluchon par un violon – est un des personnages récurent du théâtre du monde de Marc Chagall. Alors, quand André Malraux, en 1964, lui commande la réalisation d’un décor pour le plafond de l’Opéra Garnier, Marc Chagall en profite pour rendre hommage à ses musiciens préférés, pour exprimer son amour pour la musique, mais aussi celui pour la France et sa capitale, Paris. La tour Eiffel, l’Arc de Triomphe, l’Opéra Garnier (bien sûr), mais aussi l’Obélisque de la Concorde, les plus fameux bâtiments de la ville lumière ont une place sur le plafond de la coupole. L’annonce du Ministre chargé de la culture fait jaser dans la capitale, plus d’un esprit éveillé s’oppose fermement au projet, mais même les plus réticents se ravisent une fois le chantier abouti.
Notre déambulation progresse et nous dépassons le dernier module de la galerie 4, alors il nous faut revenir une dizaine d’années en arrière quand, en 1949, Marc Chagall rentre en France et s’installe dans le sud à Saint-Paul-de-Vence. C’est à partir de cette année-là qu’il commence à explorer la matière, il réalise ses premières céramiques ainsi que ses premières sculptures. Itzhak Goldberg cite Johanne Lindskog[7], selon qui Marc Chagall aurait créé ses premiers décors sur des vases, des plats et des plaques à l’atelier « la poterie des remparts », à Antibes. Avec l’argile il reprend ses thèmes de prédilection en peinture : des personnages féminins, des animaux, des êtres hybrides etc. Il ne réalise que des pièces uniques, contrairement à Picasso, et détourne l’objet de son utilisation du quotidien pour le travailler selon sa forme brute. Itzhak Goldberg cite à nouveau Bruno Gaudichon, pour qui il est difficile de cerner la part de Marc Chagall dans la fabrication des œuvres. Sur certaines photos on le voit modeler l’argile, sur d’autres, un artisan est à ses côtés. Quoiqu’il en soit, pour chacune de ses céramiques, il réalise un dessin préparatoire. Cette facette de l’artiste est peu exposée ainsi que peu connue en France. Itzhak Goldberg cite le travail de Meret Meyer[8] et Sylvie Forestier[9] qui, en 1990, dans un catalogue raisonné, ont répertorié 240 céramiques de Marc Chagall, ce qui démontre l’importance de ce médium dans sa production artistique.
L’exposition touche à sa fin, pourtant, quelques visiteurs s’attroupent autour d’un petit format. À y regarder de plus près ce n’est pas un tableau, c’est un collage : Le Couple à la chèvre rouge (fig. 1). En 1970, Marc Chagall s’intéresse désormais au relief sur la toile, il réalise ses premiers collages à base de papiers et de tissus collés, déchirés, chiffonnés, mais également des brindilles, des branchages ou des aiguilles de pin, parallèlement il ajoute à sa peinture de la matière comme du sable ou de la sciure, il voit s’ouvrir à lui encore de nouveaux horizons et confirme par la même occasion son statut d’artiste plasticien. L’attroupement de visiteurs s’est maintenant déplacé et regarde une vidéoprojection : ce sont des images d’archives sur les vitraux de Marc Chagall qui tournent en boucle. Itzhak Goldberg cite Franz Meyer[10], selon lequel, c’est dans la cathédrale de Chartres, que Marc Chagall rencontre le vitrail. La transparence du verre le séduit et la lumière lui permet de déployer sa gamme de couleur. Chose singulière c’est avec le vitrail, et uniquement avec le vitrail qu’il touche à l’abstraction. Comme pour la céramique, il travaille avec des artisans. Pour les vitraux de la cathédrale de Metz, il collabore avec deux maitres verriers : Charles Marq et Brigitte Sinon, dont le savoir-faire fut indispensable.
Chagall à l’œuvre, dessins, céramiques et sculptures (1945 – 1970), a indéniablement été une réussite. Réalisée sous la direction d’Anne Montfort-Tanguy et Valérie Loth, elle a été rendue possible grâce à un don exceptionnel de 127 dessins, 5 céramiques et 7 sculptures des petites-filles et représentantes des ayants droit de Marc Chagall. Peut-être ont-elles eu une confiance accrue dans les institutions françaises pour préserver la mémoire de leur grand-père après la mise en vente avortée du tableau La tour Eiffel par le Musée des Beaux-arts du Canada[11].
Antonin Salameh – Master 1 Histoire de l’art
Bibliographie
- LAMPE A., Marc Chagall, Centre Pompidou, Paris, 2018.
- MARCHESSEAU D., Chagall, ivre d’images, Gallimard, Paris, 1995.
- GOLDBERG I., Chagall, Citadelles & Mazenod, Paris, 2019.
[1] Peter Ernest Schneider (1925 – 2013) est un historien d’art, écrivain, critique littéraire et traducteur.
[2] GOLDBERG I., Chagall, Citadelles & Mazenod, Paris, 2019, p. 9.
[3] Ibid., p. 24.
[4]Centre Pompidou, Événements Marc Chagall [En ligne] https://www.centrepompidou.fr/fr/recherche/evenements?terms=Marc%20Chagall
[5] Itzhak Goldberg (1949 – ) Maître de conférences, Historien de l’art, commissaire d’exposition.
[6] Bruno Gaudichon (1956 – ) Conservateur du musée de la Piscine à Roubaix.
[7] Johanne Lindskog, Historienne de l’art.
[8] Meret Meyet (1955 – ) Auteure.
[9] Sylvie Forestier (1931 – 2015), Conservatrice générale honoraire du patrimoine.
[10] Franz Meyer (1919 – 2007), Historien de l’art.
[11] Lalonde Catherine, « “La Tour Eiffel” de Chagall restera finalement au pays », Le Devoir, 27 avril 2018, [En ligne] https://www.ledevoir.com/culture/arts-visuels/526239/precipitation-et-vice-de-forme-dans-la-vente-du-chagall
OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
membrelp (8 juillet 2024). Le violon à cinq cordes de Marc Chagall – Antonin Salameh. Investigatio. Consulté le 10 mai 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/11ym4


