“Japon-Japonismes. Objets inspirés, 1867-2018” – Charlotte Pallix

Dans le cadre de la saison « Japonismes 2018 : les âmes en résonance », le Musée des Arts Décoratifs rend hommage au Japon et à son art et révèle à cette occasion toute la richesse de ses collections qui illustrent depuis la fin du XIXe siècle les relations artistiques entre ces deux grandes nations.

L’année 2018 commémore le 160e anniversaire de la signature du traité de paix, d’amitié et de commerce entre le Japon et la France, ainsi que le 150e anniversaire de l’avènement de l’ère Meiji. À cette occasion, le commissaire d’exposition Béatrice Quette (conservatrice des collections asiatiques du Musée) et les commissaires invités Kawakami Noriko et Moroyama Masanori rendent un hommage au Japon et notamment à son art, au travers de riches collections, illustrant, depuis la fin du XIXe siècle, les relations artistiques des deux grandes nations. Le musée dispose d’un fonds exceptionnel de créations japonaises anciennes, qui fait partie des plus importants en France. Ce fonds rassemble des créateurs et des collections particulières en provenance du Japon. L’exposition nous emmène à la découverte de la fascination réciproque des deux pays et de ses expressions, pendant plus d’un siècle et demi.

L’exposition s’articule sur trois niveaux et est déclinée en cinq thèmes : les acteurs de la découverte, la nature (situés au premier étage), le temps, le mouvement (au deuxième étage) et l’innovation (au troisième étage). Les œuvres sont à la fois Japonaises et japonistes, les objets anciens côtoient les créations contemporaines japonaises, inspirées par la France et l’Europe. Le parcours se conclut par les créations de sept artisans français qui évoquent la source d’inspiration que représente encore aujourd’hui l’art japonais. L’ensemble des objets exposés présente la splendeur des intérieurs de collectionneurs de la seconde moitié du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Le Musée des Arts décoratifs montre ainsi l’ampleur de ses fonds, ainsi que sa grande variété. Ces derniers sont complétés par des prêts exceptionnels venus du Japon.

L’entrée de l’exposition se situe au premier étage du musée, le visiteur pousse les portes décorées d’un motif, rappelant la fameuse vague d’Hokusai, exposée l’année précédente au Musée Guimet. Il pénètre alors dans une salle noire à l’éclairage tamisé. L’intégralité du parcours a ses murs et sols noirs, permettant ainsi aux écriteaux blancs d’être bien lisibles. Les œuvres sur un tel fond neutre ressortent particulièrement. Le groupe de quatre scénographes, assistés par l’atelier AtoY, propose une présentation des objets dans des vitrines. À l’intérieur de celles-ci, ces objets reposent sur des socles blancs soutenus par des pieds noirs qui se confondent avec le fond. Les socles semblent ainsi flotter dans les airs, telles des feuilles de papier volantes, introduisant de la légèreté et de la poésie. Les murs sont recouverts de rectangles blancs dispersés, dont certains accueillent des affiches ou des objets suspendus et d’autres sont vides. On trouve une proposition de présentation différente, par l’utilisation de longues bandes de papier verticales, qui tombent du plafond. Ou encore, des mises en scène de cascade ou de vague de papier froissé, sur lesquelles sont disposées les œuvres – chose que l’on retrouve en bas et en haut de l’escalier qui mène au deuxième étage de l’exposition. L’ensemble de la scénographie a pour constante ce jeu de contraste entre le papier blanc et le fond noir. Ceci n’est pas sans rappeler l’intérêt particulier que les Japonais accordent au papier, qui est l’un des matériaux traditionnels utilisés dans l’art. Nous pouvons citer notamment l’origami qui est l’art dédié au pliage du papier.

La première salle sert d’introduction à ce qui va suivre dans le reste de l’exposition : elle présente l’ambition générale de celle-ci, ainsi que les évènements qui ont marqué les rapports entre le Japon et la France et les relations culturelles entretenues. Les murs de cette pièce sont ponctués des dates de ces évènements. Prenons un exemple : l’Exposition universelle de Paris de 1878 à laquelle le Japon participe. Pour le parcours, les salles sont distribuées en enfilade – qui présente une rupture seulement pour les changements d’étage -, ainsi elles ne sont pas strictement délimitées. Le premier espace est donc dédié au thème des acteurs de la découverte de l’art japonais : on y apprend que c’est en acceptant l’ouverture aux principales puissances occidentales entre 1854 et 1858, que le Japon met fin à plus de deux siècles d’isolationnisme. Les échanges se multiplient grâce à l’avènement de l’ère Meiji (1868-1912). Ce sont les expositions universelles qui offrent, dès 1867 à Paris, des occasions de présenter ses savoir-faire aux pays du monde entier. Les institutions, les collectionneurs et les marchands ont un rôle décisif dans la diffusion de cet art japonais, devenu incontournable. L’ancêtre du Musée, l’Union centrale des beaux-arts appliqués à l’industrie, fait partie des premières institutions à exposer l’art japonais. Aujourd’hui, le Musée s’inscrit dans la continuité de cette démarche, notamment avec sa politique d’enrichissement des collections et des expositions. Ces différents acteurs sont présentés au travers des nombreuses expositions qui se sont déroulées : chaque vitrine expose les richesses des collections qui s’étendent de l’éventail à la statue de Bouddha rapportée d’un voyage, en passant par la boîte à thé. La liste des types d’objets présentés est longue. Le visiteur ne sait pas où donner de la tête. Pour chacune des vitrines, des plaquettes explicatives sont à la disposition du visiteur, détaillant ce qu’elles contiennent.

S’ensuit le deuxième thème : la nature. Les écriteaux révèlent que l’influence de l’art japonais sur les artistes, artisans et industriels français se manifeste dès les années 1860. La nature et sa représentation se trouvent être au cœur du japonisme, la flore et la faune sont des sujets chers au Japon. Il est question d’une source d’inspiration inépuisable. On retrouve cette même nature dans toutes les typologies d’objets : textiles, affiches, vaisselles de table… Il y a là une mise en regard des objets français et des japonais, à la fois anciens et contemporains. Au cours du XIXe siècle, les artistes occidentaux se nourrissent des principes de composition sans perspective et des formats de cadrage, pour la représentation du paysage. Le japonisme évolue également dans l’Art nouveau et l’Art déco : divers types de mobilier sont présentés. Et il se manifeste aussi dans la mode, des exemples sont exposés sur des mannequins, permettant ainsi aux visiteurs de visualiser la diversité des motifs et des coupes influencées par le kimono.

L’exposition se poursuit à l’étage supérieur dont l’accès se fait par un escalier. Ce nouvel espace clôt le thème de la nature par l’exposition de paysages sous diverses formes ; et il introduit le thème du temps. À la lecture des informations que l’on retrouve dans les écriteaux, on apprend qu’au Japon, le temps peut se transcrire en une ligne continue et immuable. Ce dernier se décline sous la forme des quatre saisons, qui se célèbrent continuellement dans la vie quotidienne, notamment par les fêtes liées à la religion Shinto ou au bouddhisme. Le temps joue un rôle important dans les rituels religieux, dont les « outils » sont à portée de vue du visiteur : pour la cérémonie du thé, un ensemble de vaisselles est exposé. On trouve également des objets de dévotion, comme des statues de divinité. Tous ces objets, souvent appelés « bibelots », connaissent un fort engouement auprès des occidentaux, sans pour autant que ces derniers en comprennent leur sens et leur usage.

La suite du parcours accueille le visiteur dans un espace qui n’est plus noir, mais de couleur rouge, que ce soit les socles comme le fond ; cela permet d’insister sur le fait que l’espace est dédié à la compréhension des fonds japonais acquis par le musée, qui les replace ainsi dans leur contexte de création, par exemple la vie au Japon avant Meiji ou encore la vie à Edo. Les pièces sont tout autant diverses que dans les premiers espaces.

Le quatrième thème est celui du mouvement, d’abord abordé dans son sens littéral, c’est-à-dire les déplacements, notamment en palanquin : il s’agit d’un mode de transport qui prend la forme d’un siège à porteurs. Le mouvement est représenté également, de manière plus codifiée, au travers des spectacles, que ce soit le cirque, les combats de sumos, le théâtre avec ses masques et costumes, ou bien la danse rituelle. Pour illustrer ces derniers, sont exposés à la fois des affiches de spectacles, des estampes et des objets qui en témoignent. Ensuite, il y a des motifs qui, en eux-mêmes, figurent le mouvement, on peut noter ceux de l’école de Rinpa : des oiseaux en vol, des vagues, l’écume dont jaillissent des carpes, des éventails, et celui que traduit la calligraphie. Les Japonais, aux yeux des Occidentaux, excellent dans l’art de la photographie, à l’heure de son invention et du développement de ses techniques, par leur aptitude à saisir les gestes pris sur le vif. La grande figure maîtresse de ce nouvel art est Hokusai Katsushika, représenté dans l’exposition par des impressions polychromes.

La section sur le mouvement continue au troisième niveau, où cette fois il est abordé par le biais des échanges tant commerciaux qu’artistiques avec la France. Pour accéder à l’étage suivant, le visiteur est invité à prendre l’escalier principal, de la même manière que la porte d’entrée, il est décoré d’un motif de vague. En haut de ce dernier, on y découvre un vaste espace où du mobilier et des objets d’art sont exposés. À la suite de l’arrivée des Portugais au Japon, au milieu du XVIe siècle, les principales puissances européennes font importer dans leur pays des porcelaines ainsi que des laques japonaises. Depuis les années 1980, les échanges artistiques prennent la forme de résidences d’artistes occidentaux, invités à Arita, grand lieu de production de porcelaine, et inversement : des Japonais sont invités à la manufacture de Sèvres.

L’autre partie de la salle aborde le mouvement Mingei, créé en 1925, dans l’idée de revaloriser les productions artisanales japonaises, sous la forme de différents objets et œuvres. Mais également, elle aborde les échanges instaurés entre les créateurs du mouvement et le céramiste anglais Bernard Leach, puis entre Charlotte Perriand et la seconde génération du Mingei. Des écrans diffusent des vidéos qui traitent des techniques artisanales.

Dans la cinquième et dernière partie de l’exposition, l’espace est divisé en plusieurs branches, dont les pièces exposées sont très contemporaines et contrastent fortement avec les objets du début du parcours. La section a pour thème l’innovation. L’art japonais apporte aux artistes de nouvelles manières de concevoir, de composer et de mettre en page le décor. De plus, cet art entraine les créateurs occidentaux à utiliser certains matériaux à des fins purement artistiques, par exemple le grès, jusque là réservé à la vaisselle populaire, et à apprendre de nouvelles techniques. Depuis les années 1970, les innovations de la mode, de l’objet et du graphisme tendent vers une nature technologique, économique et commerciale. Dans le monde actuel, l’innovation réside dans la conception et la pensée des métiers de l’artisanat, du design et de l’industrie, que ce soit pour les Français comme pour les Japonais. La scénographie illustre parfaitement les changements qui se sont opérés entre 1867 et 2018 et les nouveaux défis : elle tranche totalement avec celle des étages inférieurs du parcours. Le visiteur se trouve dans un décor beaucoup plus contemporain et côtoie des œuvres aux allures parfois futuristes.

L’ensemble de cette exposition retrace parfaitement l’évolution de l’art japonais et de sa connaissance par les pays occidentaux, mais également ses échanges artistiques qui ne connaissent pas d’interruption depuis 1867 avec la France. Le Musée des Arts décoratifs, ou du moins son ancêtre, est pionnier dans la représentation et l’exposition de l’art du Japon. Il poursuit son ambition première de montrer aux visiteurs l’ampleur et la diversité des objets décoratifs. L’exposition « Japon-Japonismes » a su mettre en scène la richesse de ses collections, grâce à une scénographie finement réfléchie et orchestrée, qui sait souligner le côté exceptionnel des objets exposés. Le parcours suit une logique chronologique et à la fois thématique, permettant ainsi au visiteur, qu’il soit amateur ou spécialiste, d’avoir un panorama complet de cet art japonais et de son influence sur l’art occidental.

                                                                                            Charlotte Pallix (Master 2 d’histoire de l’art)

 

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Catalogue d’exposition : Béatrice Quette (dir.), Japon japonismes, catalogue d’exposition (Paris, 2018-2019), Paris, MAD, 2018, 255 pages.

 

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