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Censure : le cas du Code Hays – Claire Riccobono

Abstract (by Laura Brossad & Emma Lesage) :

This article goes in depth into the origins and the historical context of the Hays Code and its impact on the film industry in the early 20th century. At the time the United States was swept by a wave of Puritan values that led to new laws such as Prohibition laws and the Hays Code. The Hays Code is first and foremost a moral code that prohibits any words, scenes, images, or innuendos that do not abide by the moral values of the time and could seem outrageous to the public. Some subject that are completely forbidden are: nudity, prostitution, drugs, homosexuality, interracial couples, or even birth or suggestive scenes. It was very important that the good guys were portrayed one way and the ‘bag guys’ another so that no ambiguity could blur the lines. Several major studios restricted themselves to avoid having their films banned from theaters. The Hays Code contributed to the uniformity of Hollywood productions in their plot, character, and overall aesthetic. Indeed, the American cinema tried to be as smooth and consensual as possible in order to be lucrative; it was considered an industry and not an art. 

 

Censurer, c’est interdire, avant la publication d’un écrit, la représentation d’une pièce de théâtre, la projection d’un film (ou d’images télévisées), l’émission par la radio, la diffusion dans le public, d’informations ou de textes de nature à troubler l’ordre, à menacer les institutions, à répandre de fausses nouvelles, à corrompre les esprits… [1]

Fig. 1 : Hollywood les années 30, Jack Lodge, Paris, C.I.L, 1986 (couverture)

La pratique de la censure remonte à l’Antiquité où les romains en font déjà usage afin d’affirmer leur force civilisatrice et de permettre, sur leur vaste territoire, une régularisation adaptée à la diversité des localités. En effet, « [l]es censeurs s’attachaient à corriger les abus que la loi n’avait pas prévus ou les fautes que les magistrats ordinaires ne pouvaient punir »[2]. Toutefois, bien que la censure puisse apparaître comme un élément nécessaire à la garantie des bonnes mœurs ou de la justice, elle semble parfois injustifiée et aller à l’encontre de la liberté : en effet, la vertu peut-elle être considérée comme telle si elle est imposée par la réglementation ? Ces injonctions ne risquent-elles pas d’engendrer un redoublement des revendications et récriminations ? Loin d’encourager à la vertu, n’encouragent-elles pas les vices ?

Le cinéma, de son côté, est source de fascination et ce, depuis ses balbutiements dans les années 1895 où le spectateur, frappé par l’impression de réalisme, se laisse subjuguer par les projections des frères Lumière et les trucages de Georges Méliès. Mais cet attrait rend le cinématographe particulièrement puissant : devenu un médium certes moins noble que la presse, mais très démocratique, il touche rapidement un large public pouvant profiter, à moindre coût, de cette activité perçue comme commerciale. Divertissant, il n’en reste pas moins dangereux par la puissance de ces images qui, imitant le réel de manière frappante, peuvent être détournées à des fins répréhensibles – l’on pensera par exemple aux régimes totalitaires qui, lors de la Seconde Guerre mondiale, avaient perçu l’efficacité de propagande d’un tel médium. Dès lors, une régulation semble nécessaire, bien que le cinéma ne bénéficie pas de la même protection que la presse, considérée plus noble du fait de sa finalité liée à l’information et non au divertissement. Ainsi, une censure se met en place pour réguler la production cinématographique, dont l’une des plus fameuses, connue sous le nom de « Code Hays », voit le jour au sein des studios hollywoodiens des années 30.

En quoi le Code Hays peut-il être analysé comme un cas de censure ?

Le contexte et les origines de la censure

En 1918, le XVIIIème amendement sur la prohibition de l’alcool aux États-Unis, déjà adopté par trente-six États, est intégré à la Constitution : le Volstead Act est voté par les représentants et sénateurs, interdisant par là même la vente et la consommation de boissons alcoolisées sur l’ensemble du territoire états-unien. Bien que cette loi fasse référence notamment à la boisson, elle renvoie également à un climat plus général où des groupes de pression, brandissant l’étendard de la religion, de la vertu et des bonnes mœurs mènent un combat sur plusieurs fronts. Parmi ces groupes l’on compte par exemple la WCTU (Women’s Christian Temperance Union) fondée en 1873 et militant à la fois en faveur de la prohibition tout comme dans d’autres champs tels la prostitution, les droits des femmes et la santé publique, mais également la « Ligue » constituée en 1893, dirigée a priori vers l’interdiction de l’alcool, mais qui développera ensuite ses actions :

La Ligue […] s’octroie la représentation et le monopole d’un réformisme composite qui dénonce bien d’autres maux que l’alcool […] ; elle construit par tous moyens, mais sous le masque d’une morale identifiée avec le Bien Public, un Parti Universel de la Vertu […] prétexte d’une instauration de la République Chrétienne des États-Unis[3].

La religion appliquée à la politique se traduit généralement par un manque de liberté dont la censure est le reflet. Ainsi l’influence de la religion, du fait des racines historiques des États-Unis et par le biais de groupes de pression, va vouloir imposer aux fidèles les comportements et les lignes de conduite à adopter pour faire le bien et obtenir le Salut. Cela se traduira par la loi de la prohibition, mais s’étendra à de nombreux autres domaines à l’instar du cinéma où la censure finira par sévir.

C’est donc dans cette atmosphère prohibitionniste que se construit le cinéma hollywoodien. Au cours des années 1910, alors que toute la production américaine est concentrée dans les grandes villes de l’Est des États-Unis, plusieurs producteurs et réalisateurs viennent s’installer sur la côte Ouest, au large de Los Angeles, à Hollywood, pour y fonder des studios. Pourquoi Hollywood ? Pour le climat, les grands espaces, la variété des paysages (mer, forêt, désert), le bas coût de l’immobilier et pour fuir le « trust Edison » qui impose des taxes aux indépendants[4]. Avec l’arrivée du parlant dans Le chanteur de jazz en 1927, une grande mutation de l’industrie s’opère du fait des problématiques qu’une telle innovation engendre. En effet, le parlant, plus proche du réel, entraîne une confusion entre divertissement et réalité : il est presque impossible d’échapper à une localisation précise – problématique pour les territoires où corruption politique et décadence des mœurs sévissent -, le risque de corruption s’accroit avec les sujets touchant par exemple aux crimes, l’interprétation des étrangers devient tout de suite plus susceptible d’offenser… La capacité d’Hollywood à faire consensus est alors remise en question[5]. Pour faire face à ces nouvelles difficultés, les producteurs vont donc mettre en place un code d’autocensure : stratégie avant tout économique.

L’autocensure des grands studios

L’arrivée du cinéma parlant et sa généralisation (1928 – 1930), du fait de son coût important (qui plus est en pleine crise financière post-1929) va avoir pour effet de concentrer la production au sein de grands studios nés de la fusion de plusieurs petits : Paramount, MGM, 20th Century Fox, Warner Bros et la RKO d’un côté (appelés les Majors ou Big five), Universal, Columbia et United Artists de l’autre (appelés Minors ou Little three). C’est la naissance du « studio system » traduisant la toute-puissance de ces importants producteurs. En effet, lors de l’ère classique, ces derniers produisent 80% des films et recueillent 95% des recettes. Ils ont alors la mainmise sur tout ce qui est réalisé notamment grâce au final cut donnant aux studios le droit de regard sur le montage final[6]. C’est une véritable usine à rêves où la machine de la production ne doit pas cesser de fonctionner grâce aux studios souhaitant rester consensuels afin de pouvoir toucher un large public et donc assurer le meilleur rendement possible. Les producteurs s’attachent donc au « politiquement correct », au socialement admis afin d’éviter toute censure une fois le film sorti et donc toute perte de recettes et ce, d’autant plus que la législation étasunienne diffère d’un État à l’autre[7]. Cette volonté de consensus se réaffirme dans les années 20 à la suite de plusieurs scandales[8] qui jettent une ombre menaçante sur le cinéma hollywoodien naissant. C’est ainsi que se crée la MPPDA (Motion Picture Producers and Distributors of America) en 1922. À travers ce nouvel organisme, les producteurs souhaitent davantage réguler, contrôler la production cinématographique hollywoodienne pour assurer sa pérennité et la viabilité économique de cette industrie tout en affichant une volonté de préserver la morale publique – le comité de censure parle d’ « intérêt général ». Se met alors en place le Code Hays.

Suite à la demande des studios américains, c’est le presbytérien William Harrison Hays qui devient le premier président de la MPPDA, jusqu’à sa retraite en 1945. En tant que président, Hays établit en 1930 un Code : A Code to Govern the Making of Motion Pictures. The Reasons Supporting It and The Resolution for Uniform Interpretation :

In 1930 the MPPDA, with the involvement of representatives of the Catholic Church, formulated a […] Code [which] constituted a national set of guidelines for subsequent motion picture treatments […]. In practice, the Code is very much a reaffirmation and expansion of the Don’ts and Be Carefuls, which had already actively informed the centralized regulation of motion picture content[9] [10].

Pour éviter une censure du public et pour le public (portée notamment par certains groupes de pression comme la Ligue ou la WCTU), les studios vont donc appliquer un code d’autocensure qui sera dans un premier temps prescriptif pour devenir ensuite rigoureusement effectif en 1934, à la suite de la pression notamment d’organes religieux à l’image de la « Légion de la Décadence » formée des évêques américains.

Mais en quoi consiste exactement ce fameux code ? Le Code Hays est avant tout un : « code déontologique indiquant aux réalisateurs ce qu’ils peuvent ou non montrer à l’écran »[11]. Officiellement, tout film allant à l’encontre du code ne saurait être distribué tel quel sous réserve de quelques modifications. Le Code proscrit notamment de tout film les images et sujets suivants : la nudité, la prostitution, la drogue, les « perversions sexuelles » dont l’homosexualité, la miscégénation (notamment les relations entre personnes blanches et noires), les scènes d’accouchement même en silhouettes et toute autre scène considérée comme indécente et « obscène » telles les étreintes trop passionnées, les poses trop suggestives, etc. Il est également formellement interdit de présenter sous un jour favorable tout personnage s’étant rendu coupable d’un délit ou d’un péché (crime, vol, adultère). Au Code est joint une liste de termes à bannir, de blasphèmes et autres propos considérés irrévérencieux allant de gawd[12] à fanny[13]. À ces interdictions s’ajoutent certaines recommandations dont le respect de la religion et du sentiment national[14] [15]. Cette stricte codification engendre alors une uniformisation de la production.

Uniformisation de la production par la censure et tentative de contournement

Le Code Hays contribue à influencer, déterminer, uniformiser la production hollywoodienne tant du point de vue du récit que du point de vue esthétique. Au niveau du récit, du schéma narratif et actanciel, l’on remarque : une narration classique construite autour d’une exposition, de rebondissements et d’un dénouement ; une alternance entre action et détente ponctuée de climax ; des causalités logiques grâce auxquelles tout trouve une résolution et aucune image ni aucun fait n’est gratuit ; un « happy ending » où les bons sont récompensés et les fauteurs punis ; un manichéisme de bon aloi avec peu de nuances où les héros nobles et irréprochables finissent par vaincre les méchants aux traits vicieux. Au niveau esthétique, le montage est transparent, fluide, intelligible, sans heurt, la lumière est diffuse, rassurante et agréable, le vococentrisme[16] est respecté en toute circonstance avec des voix toujours très audibles, au-dessus des bruits[17].

Ainsi, le but premier du cinéma hollywoodien est alors de rester le plus lisible et consensuel possible afin d’être lucratif ; le cinéma américain se considère d’abord comme une industrie et non comme un art. À la différence de la France par exemple, le réalisateur hollywoodien n’est considéré que comme un technicien :

Par ailleurs, les films américains se veulent aussi moralement irréprochables – ils vendent le “rêve américain” – et s’apparentent de ce fait à des contes de fées quelque peu enfantins pour la plupart. Ne prenons que l’exemple des westerns qui n’ont de cesse de présenter les cowboys comme de valeureux pionniers et les Indiens comme de sanguinaires et belliqueux sauvages au moins jusqu’aux années 50[18].

De nombreux cinéastes, soumis à cette censure du fait de leur dépendance aux grands studios hollywoodiens finançant leurs réalisations, tentent toutefois de contourner l’interdit :

Levels of ambiguity were deliberately introduced into motion pictures to allow multiple interpretations by multiple audiences. Treatment of « adult » themes were characterized by innuendo and ellipsis, so that the movies could not be accused of educating innocent viewers in methods of sexual or criminal behavior[19] [20].

L’on constate par exemple dans le péplum Ben Hur un sous-entendu de l’homosexualité du personnage éponyme du fait de son intimité avec Messala comme en témoigne le plan de leurs deux lances unies.

Au sein de la MPPDA, un organe tente également de trouver un compromis entre censeurs et réalisateurs :

If controversial material made up the bulk of current source acquisitions, then it was his job and that of his staff not to impede it but to see that it reached the screen in a form that accorded with the Code[21].

Les organes de contrôle essayent ainsi de permettre le plus possible la sortie des films pouvant présenter des scènes allant à l’encontre du Code en demandant quelques modifications : une interdiction catégorique engendrerait de trop grandes pertes économiques. En 1931, Public enemy fait par exemple l’objet d’un remaniement : Al Capone, clairement représenté sous les traits d’un des personnages principaux, ne peut mourir triomphalement au combat comme dans la première version et est donc capturé tel un lâche dans un remaniement final qui ne pouvait rendre le protagoniste attachant. Le spectateur n’est d’ailleurs pas témoin de son exécution capitale et achève le film sur le discours moral du juge. Autocensure contrainte, mais consensuelle et rentable.

Conclusion

C’est dans le contexte de la loi de la prohibition, scellée par le Volstead Act, que le cinéma hollywoodien se développe aux États-Unis. Pays empreint de puritanisme, de nombreux groupes de pression y incitent à la censure notamment cinématographique, le cinéma pouvant être un outil particulièrement subversif par son attrait et son impression de réel. Le but des grands studios étant avant tout le rendement, ces derniers vont mettre en place une autocensure permise par leur influence sur toutes les réalisations hollywoodiennes concentrant la majeure partie de la production cinématographique nationale. À la censure sociale se faisant a posteriori et engendrant un risque de perte de recettes, les studios privilégient l’autocensure se faisant a priori par le bais de régulations et de codes à suivre. Les réalisateurs, subventionnés par les studios ayant la mainmise sur leur film grâce au final cut, sont pieds et poings liés.

Toutefois, en 1931, le rapport Wickersham dévoile les conséquences de la prohibition avec l’augmentation du crime organisé et de la corruption de la police ainsi que de certains politiques à l’échelle locale. En 1933, le XXIème amendement est voté abolissant le XVIIIème. La population se rend alors compte des limites que certaines réglementations peuvent engendrer malgré le désir parfois honorable de contribuer à la préservation de la morale et des mœurs. Une nouvelle fois, le cinéma en est touché avec un allègement du Code dès les années 50, avant son abolition définitive en 1968[22].

 

Claire Riccobono – Master 2 Lettres et Humanisme


Bibliographie

  • GABRIEL-ROBINET L., La Censure, Hachette, Paris, 1965.
  • MARTIN J.-P., La Vertu par la loi. La Prohibition aux États-Unis : 1920-1933, EUD, Dijon, 1993.
  • VASEY R., The World according to Hollywood. 1918-1939, University of Exeter Press, Exeter, 1997.

[1] Louis Gabriel-Robinet, La Censure, Paris, Hachette, 1965, p. 13.

[2] Ibid. p. 11.

[3] Jean-Pierre Martin, La Vertu par la loi. La Prohibition aux États-Unis : 1920-1933, Dijon, EUD, 1993, p. 4.

[4] « Le cinéma classique » in Histoire du cinéma, L2 Humanités études des cultures et pratiques culturelles, Université d’Avignon, année universitaire 2020-2021.

[5] Ruth Vasey, The World according to Hollywood. 1918-1939, Exeter, University of Exeter Press, 1997, p. 100.

[6] « Le cinéma classique » in Histoire du cinéma, op. cit.

[7] Certaines mesures législatives relevant des États fédérés pourraient engendrer une censure au niveau local et donc a posteriori.

[8] À l’image de celui d’Arbuckle ayant assassiné la jeune actrice Virginia Rappe.

[9] En 1930, la MPPDA, avec l’aide des représentants de l’Église catholique, formula un Code constitué d’une série de lignes directrices à suivre sur l’ensemble du territoire national et à destination du traitement des prochains films. Le Code est en réalité une réaffirmation et extension des interdits et recommandations dont avait déjà connaissance l’organe centralisateur du contenu cinématographique.

[10] Ruth Vasey, The World according to Hollywood. 1918-1939, op. cit., p. 108.

[11] « Le cinéma classique » in Histoire du cinéma, op. cit.

[12] Déformation de « God » (Dieu).

[13] « Fesses » en anglais.

[14] L’utilisation du drapeau devait par exemple toujours être « respectueuse ».

[15] « Le cinéma classique » in Histoire du cinéma, op. cit.

[16] Terme employé notamment dans le cinéma afin de désigner la technique consistant à centrer le son autour des voix et dialogues des personnages.

[17] Ibid.

[18] Ibid.

[19] Des niveaux d’ambiguïté étaient volontairement introduits dans les productions afin de permettre diverses interprétations par les divers spectateurs. Les « thèmes pour adultes » étaient caractérisés par des insinuations et des ellipses pour que les films ne soient pas accusés d’éduquer les publics innocents à certaines pratiques criminelles ou sexuelles.

[20] Ruth Vasey, The World according to Hollywood. 1918-1939, op. cit., p. 101.

[21] Ibid., 110.

[22] Un tel décalage entre la fin de la prohibition et l’abolition du Code est sans doute dû au fait que le cinéma, industrie très démocratique, touche un large public notamment familial et enfantin dès ses débuts, contrairement à l’alcool n’étant accessible qu’à partir de la majorité. Ce large public a donc engendré une attention particulière qui n’a permis un allègement de la censure qu’à partir de ces années-là.


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
mastersfdl (5 juillet 2024). Censure : le cas du Code Hays – Claire Riccobono. Investigatio. Consulté le 20 avril 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/11y5x


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