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Maximilien Luce, l’instinct du paysage – du 21 mars au 14 septembre 2025 au musée de Montmartre – Aliette de Rosny

Parcourir les rues de Montmartre, c’est s’immerger dans le Paris de Renoir, de Manet, de Degas et de bien d’autres artistes de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Après avoir monté les marches de la butte, déambulé dans les ruelles pittoresques et traversé la place du Tertre où les touristes aiment se faire portraiturer, nous voilà arrivés au 12 rue Cortot, devant le musée de Montmartre, où de nombreux artistes sont venus puiser leur inspiration. Du 21 mars au 14 septembre 2025, le musée de Montmartre invitait les visiteurs, passionnés, amateurs ou intéressés, à découvrir l’œuvre de Maximilien Luce.

La découverte de Paris et de ses alentours

Né à Paris en 1858, Maximilien Luce est un peintre néo-impressionniste. En 1887, il rejoint ses amis peintres à Montmartre et installe son atelier au 6 puis au 16 rue Cortot. La butte est alors un de ses sujets de prédilection avec Paris dont il est fin connaisseur. L’artiste peint depuis son atelier les rues animées de son quartier, les vignes et le clocher de la basilique du Sacré-Cœur. Il prend aussi avec lui son chevalet pour l’installer sur place et peindre sur le motif. Les premières salles de l’exposition nous plongent dans cette ambiance parisienne. Luce tente de capturer dans son pinceau le mouvement incessant de Paris mais aussi la force tranquille des bâtiments parisiens qui ont parcouru les siècles comme Notre-Dame. Maximilien Luce est aussi témoin des grands travaux qui transforment Paris. À la fin du XIXe siècle, le baron Haussmann entreprend le percement des rues et la construction de nouveaux immeubles. Au siècle suivant, de longues routes souterraines sont creusées pour la création du métro. Luce installe donc son chevalet au centre de ces chantiers pour capturer sur ces toiles ces changements qui ont marqué l’histoire de Paris, au son des scies et des marteaux maniés avec ferveur par les ouvriers.

Mais, en 1894, Luce connait une coupure dans sa vie artistique. Très engagé dans la vie politique anarchiste, il est emprisonné à la suite de la mort du président Sadi Carnot. Les murs de l’exposition s’assombrissent et les visiteurs s’introduisent dans ce couloir serré et ce petit espace digne d’une cellule. Pendant cette période, Luce échange son pinceau pour le crayon et dessine la vie derrière les barreaux. Sous les vitrines, l’album Mazas, paru après sa libération, dans lequel ses lithographies accompagnent le texte de Jules Vallès, est exposé. Mais cet emprisonnement politique ne dure qu’une quarantaine de jours et la lumière et la couleur reviennent vite dans ses toiles.

A travers cette exposition, Maximilien Luce nous invite à cheminer le long de la Seine et à découvrir les alentours de la capitale. Dans son tableau intitulé La Scène à Herblay (fig. 1), œuvre choisie pour l’affiche de l’exposition, Luce dépeint le scintillement du soleil sur l’eau et le foisonnement des couleurs automnales à travers cette multitude de petits points minutieusement déposés sur la toile caractéristiques de son style pointilliste. De près, notre œil ne voit que de petites touches de couleurs mêlées entre elles mais de loin, tous ces points s’allient dans une harmonie parfaite pour ne former qu’un. Leur relief créé par la peinture séchée et leur couleur s’associent pour construire ensemble ce magnifique décor naturel. Et c’est là tout le talent artistique de ces peintres divisionnistes : partir de l’abstrait pour représenter le réel.

Fig. 1: La Seine à Herblay (Maximilien Luce, 1890, huile sur toile, musée d’Orsay, photographie : A. de Rosny)

La première partie de l’exposition qui prend place au premier étage du musée, se termine sur un fond bleuté sur lequel se détachent des peintures normandes et bretonnes. Maximilien Luce aime passer du temps à contempler la mer agitée de l’ouest de la France où il se rend à plusieurs reprises. Il apprécie le caractère brumeux de ces régions. Il écrit à Paul Signac vers 1894 : « Le pays est très épatant, malheureusement il y fait trop beau, j’aurais bien voulu voir la Bretagne avec du mauvais temps, il me semble que cela doit avoir beaucoup plus de caractère[1]. »

Une invitation au voyage

Invités à emprunter un escalier, nous nous envolons tel l’oiseau qui migre, vers le Sud de la France. Entre 1892 et 1918, Maximilien Luce découvre, à l’occasion de plusieurs voyages, la côte méditerranéenne, pour y retrouver ses amis peintres comme Paul Signac ou Henri-Edmond Cross, et y puiser son inspiration.

Les tableaux de Luce présentés sur des murs d’un blanc éclatant, nous plongent dans l’univers féerique de Saint-Tropez. La lumière du Sud vient se glisser dans son pinceau. Le clocher de l’église Notre-Dame-de-l’Assomption surplombe le port, les couleurs du ciel se reflètent sur la mer paisible, tandis que les pins offrent un peu d’ombre à notre regard ébloui par tant de lumière. Saint-Tropez inspire Maximilien Luce qui réalise aussi des peintures sur des objets comme des assiettes en faïence ou des coffrets en bois.

La palette claire des tableaux de Saint-Tropez contraste avec les couleurs sombres des deux salles suivantes. Entre 1892 et 1899, Maximilien Luce effectue quatre voyages en Belgique. Il se rend notamment à Charleroi, lieu où la révolution industrielle est très marquée. Les cyprès verdoyants qui s’élèvent vers le ciel s’inclinent devant les terrils sombres toujours plus imposants et les cheminées. Les pêcheurs laissent la place aux ouvriers.  La lumière n’est plus celle du soleil mais celle des flammes. Les couleurs violettes et bleutées qui n’étaient jusque-là déposées sur la toile que par petites touches pour mettre en avant les autres couleurs, sont désormais celles qui envahissent le tableau. Luce quitte son style pointilliste. Il écrit à Edmond-Cross en 1895: « Les environs de Paris, au point de vue industriel, ne sont rien. Saint-Denis n’est que de la blague. Quant à la couleur, elle est à peu près absente. Je ne vois guère d’application de la division, aussi je me laisse aller à mon instinct[2]. » En 1877 et 1892, Maximilien Luce quitte Paris et la Seine pour Londres et la Tamise. En 1907, il se dirige vers les Pays-Bas où il se familiarise avec les vues qui ont inspiré les peintres flamands. Ces deux pays l’inspirent dans la réalisation de gravures dont certaines matrices sont exposées pour la première fois à Montmartre.

Après avoir parcouru les routes sombres de Belgique, de Londres et des Pays-Bas, nous retrouvons la lumière dans la dernière salle consacrée aux dernières années de l’artiste. En 1922, Luce s’installe à Rolleboise, dans les Yvelines, où il retrouve les bords de Seine. Sa touche picturale change une nouvelle fois. Son coup de pinceau est plus large et brumeux (fig. 2). Maximilien Luce meurt en 1941 dans le Paris qui l’a vu naître.

Fig.2 : Détail de Rolleboise, la baignade dans le petit bras (Maximilien Luce, 1920, huile sur toile, musée de l’Hôtel-Dieu, photographie : A. de Rosny)

Situé dans la même rue où Maximilien Luce installe son atelier en 1887, le musée de Montmartre offre aux visiteurs un voyage au cœur de la production de l’artiste. L’exposition est bien conçue. Les couleurs des salles sont choisies pour guider le visiteur. Les panneaux écrits en français et en anglais présentent des textes courts et facilement compréhensibles. Un parcours enfant est aussi proposé pour les familles. Alors mettons notre sac sur le dos, ouvrons les portes de l’exposition et parcourons avec Maximilien Luce les paysages qui l’ont inspiré.

 

Aliette de Rosny – Master 1 Histoire de l’Art


[1] Citation écrite sur un des murs de l’exposition dans la partie « Province, un « voyageur véridique ».

[2] Citation écrite sur un des murs de l’exposition dans la partie « Belgique, le choc du pays-noir ».


Bibliographie


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
mastersfdl (3 octobre 2025). Maximilien Luce, l’instinct du paysage – du 21 mars au 14 septembre 2025 au musée de Montmartre – Aliette de Rosny. Investigatio. Consulté le 20 avril 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/14ukv


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